El Autorretrato

El autorretrato es uno de los ejercicios de análisis más profundos que puede hacer un artista. Implica escrutarse el rostro y conocerse hasta tal punto que la expresión que tenga en ese momento se traduzca en el dibujo o la pintura que aborda. En épocas pictóricas como el barroco o el renacimiento, una de las costumbres era que el artista se autorretratara dentro de un gran cuadro, para reafirmar su autoría o para dar a entender sus intenciones.

Por medio de la pintura podemos saber cómo fueron los rostros de los personajes importantes de otras épocas (reyes, emperadores, papas, etc.), retratados e inmortalizados por la habilidad de los maestros pintores, que también disfrutaban pintándose a sí mismos.

Esta costumbre se ha extendido hasta la actualidad, y en nuestros días son frecuentes los autorretratos hechos por medio de una cámara fotográfica u otras tecnologías.

 La pintura del autorretrato se realiza mirándose en un espejo, o en el agua de un charco o de un río, otras veces los pintores se retratan según como "se piensan" a sí mismos o cómo se recuerdan; recorren con las manos la cara y trasladan las sensaciones a la representación pictórica.

Pero sin duda que el espejo ha sido clave en el arte del autorretrato, pues ha sido el objeto idóneo para ello. Verse en un espejo es la manera más rápida de autorretratarse. Sirviendo también de apoyo para que el contemplarnos podamos repetirnos en el papel, la madera o la arcilla. Un ejemplo fue Van  Gogh, quíen utilizo el espejo.

Algunos ejemplos son:

Marie Ellenrieder.

Delacroix.

Van Gogh.

Velázquez.

Marie Bashkirtseff.

Marie Denise Villers.

                                                                                 



Comentario:  personalmente, a nosotras, lo que más nos gusto del blog, fue este tema, ya que nos encanto hacer nuestros autorretratos, aunque no los hicimos como los artistas de estos ejemlos, sino los hicimos con nuestras fotografias, es decir, con más tecnología, el que más nos gusto de estos autorretratos fue el de Velázquez, ya que se ve más realista, pero tenemos que recordar que no necesariamente los retratos o autorretratos tienen que ser iguales a nosotros.

¿Cómo hacer una máscara de un sol?

Materiales:

- Papel cartón, grueso
- Algodón
- Papel de seda de color amarillo, naranja, y rojo
- Lápiz, tijeras, pegamento

PASOS:

Con la ayuda de un plato, dibujamos un círculo en el cartón. Lo recortamos, y dibujamos una carita sonriente al centro.

Recortamos los ojos (grandes, para ver mejor), la nariz, pero dejando la parte de arriba, y la boca. Pegamos trocitos de algodón en la parte de arriba de los ojos, alrededor de la boca, encima de la nariz, y en los pómulos

Con la ayuda del pegamento, cubrimos con trozos del papel de seda amarillo, las cejas y la nariz

Cubrimos también la boca con el papel rojo, y los pómulos con el de color naranja, siempre con las pinceladas de pegamento. Tenemos que poner tres capas de papel dejando secar, una por una

Enseguida, recortamos unos trozos de papel con formato de triángulo, con los que haremos los rayos del sol, pegándolos alrededor del círculo.

Y aquí tenemos el resultado. Si fijas en los rayos del sol, notarás que los hay finos, otros largos, cortos, y gordos, y que mezclan los distintos tonos. Ahora, solo falta poner una goma o una cinta por la parte de atrás, para atarlo en la cabeza 

Imágenes de los pasos :

COMENTARIO:

La máscara es un elemento  que tiene diversas utilidades y nosotras como grupos concluimos que  es algo que logra representar aun grupo o una comunidad  y cada máscara tiene rasgos distintos y depende de la creatividad el artista   el tipo de máscara que resultará

La máscara

HISTORIA:

El uso de las máscaras se remonta a la más lejana antigüedad. Se las encuentra entre los egipcios, griegos y romanos. Los griegos las empleaban en las fiestas dionisiacas; los romanos durante las lupercales y las saturnales y además en las representaciones escénicas.

Entre los griegos y romanos, las máscaras eran una especie de casco que cubría enteramente la cabeza y además de las facciones del rostro, tenía pelo, orejas y barba habiendo sido los griegos los primeros en usarlas en sus teatros a fin de que los actores pudieran semejarse físicamente al personaje que representaban.

Las primeras máscaras se hicieron de corteza de árbol, luego fueron de cuero forrado de tela y por último las hacían de marfil o de madera para que tuvieran más consistencia

¿Pero  qué es una máscara?

Es una pieza de material generalmente opaco o traslucido , usado sobre la cara, El material o materiales de los que puede estar constituida son : tela , yeso , plástico madera entre otros dependiendo de la creatividad del artista.

La máscara es utilizada para diversas funciones como por ejemplo ceremonias religiosas , de protección y para fiestas o disfraces  depende de la ocasión y lugar geográfico  como por ejemplo en el norte de chile  se utiliza la máscara de tirana esta tiene un colorido muy  variado  y por lo general la base de el color de la máscara es rojo  , es una máscara de tipo religiosa.

También están las máscaras Africanas las cuales tienen una finalidad religiosa confeccionadas con trozos de madera.

Imágenes de distintos tipos de máscaras

Ejemplos de un Retrato

  Como se dijo anteriormente los primeros retratos se expresaron en las monedas, un ejemplo de esto es:

-Una moneda persa que representa a Tisafernes en el siglo IV a. de C.

Por otro lado, en la antiguedad, existieron retratos romano-egipto, los cuales reprecentaban o daban a conocer el rostro de la persona fallecida, un ejemplo de este es: -Un joven fallecido.

Otro ejemplo es una obra del pintor Alberto Durero llamada "Retrato de una mujer con el cabello recogido".

          -Características de esta obra es que esta pintada en óleo

 sobre lienzo y mide 56,5 x 42,5 cm.

También podemos ver publicidad que usa este medio del retrato para llegar a la gente, un ejemplo es en donde podemos ver el rostro del presidente de Estados Unidos con una frase en la parte posterior que dice ´hope`(palabra que significa esperanza en español).

El Retrato

Aparece en el siglo V a. de C. , y el retrato es una pintura o efigie de personas, en donde se describe a esta figura o carácter tanto en la físico como en lo moral. Este arte cuenta con una serie de características, las cuales explican a este arte por sí silo, estas son:

ŸEn un retrato debe dominar la cara y expresión del retratado.    

ŸEs una expresión plástica , es decir la imitación, del el rostro de la figura humana.

ŸEn este se pretende mostrar la semejanza, personalidad y estado de ánimo de las personas.

También por estas características, una fotografía de un retrato no es una simple foto, sino una imagen compuesta de la persona en una posición quieta (es decir que a pesar de la quietud muestre sentimientos).

Comentario:

La mayoría de las personas piensan que un retrato es una imagen que solo representa físicamente a la persona retratada. Esto pudo haber sucedido en un comienzo cuando se retrataba la imagen de un rey en las monedas, pero al pasar el tiempo, esta obra se ha convertido en mucho más que esto, ya que ahora, más que de de mostrar con gran semejanza al retratado, se trata de demostrar principalmente los sentimientos que este, al momento de ser dibujado, este expresando. Incluso en la actualidad, en los carteles publicitarios, como por ejemplo el de la presidencia, es postulado desea llegar al pueblo, y esto lo hace estratégicamente con la capacidad de captar la expresión deseada en la fotografía.

Y es así, como de solo dibujar semejantemente a un individuo lograron, también plasmar la personalidad, e incluso también el estado de ánimo de esta.

Lo Femenino y Maculino del Arte

En la historia, el cuerpo humano ha sido incorporado y representado en el arte, y en muchas ocasiones estas representaciones han sido mostradas marcando las características tanto de lo femenino como de lo masculino. Es por esto que existen muchas obras significativas de la historia del arte que reflejan modelos o paradigmas de lo masculino y lo femenino, estas representando cualidades o defectos (roles, actitudes, creencias) utilizando el cuerpo o partes del cuerpo de una mujer o un hombre según a quien le pertenezca esa característica.

 Lo feminismo es representado por el cuerpo de una mujer y como a esta tradicionalmente se le asocia con su capacidad reproductiva, se le caracteriza con las cualidades de la fecundidad; pero también cada cultura representa a la mujer no sólo en su papel de madre o amante, sino cumpliendo con los esquemas que cada sociedad le impone.

Por su parte, al hombre se le asocia con una actitud más guerrera y combativa, fuerte, protectora y a menudo indiferente.

Algunas obras que, a través de esta creación representan una palabra, son:

-La Venus de Willendorf: esta obra representa la fertilidad y data del neolítico. Los senos y el abdomen se han exagerado intencionalmente con propósitos simbólicos, ya que se trata de "la gran diosa madre".

Comentario:

A través de la historia del arte, la representación, tanto de lo femenino como de lo masculino, en pinturas, esculturas, etc…, se ha basado en la imagen del hombre o la mujer, según al periodo que corresponda la época, ya que en estas representan los valores o capacidades de la persona, pero que eran de importancia para la época. Y era como de esta manera los artistas expresaban, quizás una palabra, en toda una obra de arte, es por esto que la palabra fertilidad era representado a través del cuerpo de la mujer, ya que es este el que la concede.

Pop Art o Arte Popular

Este arte, realista y figurativo, se desarrolló en la década de 1960, e intentó representar gráficamente los aspectos más destacados de la cultura popular, proclamando el triunfo del consumismo. Así, los artistas Pop tomaron sus imágenes de la publicidad, televisión, cine, fotografía y comics, e hicieron una obra de arte de un tarro de basura, un coche siniestrado, una mochila, una Coca-Cola, etcétera. Aquí, la figura humana es utilizada con gente popular, estilo comics, así utilizando toda la tecnología posible en aquella época.

La obra Pop se caracterizó por su gran tamaño. Se desarrolló en Londres, pero alcanzó su mayor expresión en Estados Unidos (EE.UU), con las obras de Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein, Andy Warhol y las esculturas en yeso y vendas de George Segal, quien incorporó el escenario a su obra. Por ejemplo, en la "Estación de servicio" se ve a los empleados frente a un reloj. Otro destacado escultor de esta tendencia es Claes Oldenburg, quien, con humor y una fuerte crítica social, sacó de su contexto objetos cotidianos, como tortas, enchufes, teléfonos y excusados y les dio un nuevo carácter. Las ideas Pop aún se mantienen vigentes en la decoración y en la publicidad.